El guión de “Django Unchained”, el próximo film de Tarantino…

Por Armando Navarro.

Hace unos meses se filtró el guión de “Django Unchained”, el nuevo proyecto de Quentin Tarantino, previsto para estrenarse a finales de 2012 y que al parecer será un interesante spaghetti western.

El documento, en el siguiente enlace listo para descargar en pdf, se nota magistralmente escrito como es costumbre en Tarantino, con potentes diálogos y escenas memorables, además de que por su extensión, probablemente termine siendo una película de mas de tres horas de duración, muy al estilo de Sergio Leone.

Ficha en imdb: http://www.imdb.com/title/tt1853728/

Descargar en pdf: http://www.megaupload.com/?d=3JWJXIN2

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Mis 100 films preferidos…(lista actualizada)

Por Armando Navarro Rodríguez.

En Septiembre de 2009, publiqué en mi antiguo blog (http://armandonavarro1980.blogspot.com/2009/09/los-mejores-120-films.html) los que en ese momento consideraba mis 135 films preferidos, lista pretenciosa e innecesaria dada la subjetividad del séptimo arte.

Sin poder resistirlo, hoy publico un nuevo enlistado actualizado y reducido con sólo 100 films aplicando nuevas reglas: dejar de lado la mayor cantidad de clásicos posibles, escoger sólo un film por director y mencionar sólo aquellas cintas que hayan sido vistas en la pantalla grande en algún momento (es decir, cualquier sala de cine, festivales, muestras internacionales y la Cineteca Nacional).

Fue complicado tomar sólo un film de Ripstein, de Lars Von trier, de los Hermanos Coen y de Kubrick, ya que en la antigua lista mencionaba hasta tres cintas de cada director. También dejé fuera películas de esa lista que hoy, a casi dos años de distancia, encuentro totalmente intrascendentes.

En la siguiente selección hay algo de cine Dogma (un movimiento que me sigue impactando profundamente), algunas joyas mexicanas, mucho cine de culto y una mínima cantidad de animación; algunos descubrimientos recientes (Enter the void de Gaspar Noé) y otros que se remotan a las primeras cintas que tuve la oportunidad de ver (Canoa, de Felipe Cazals). Además, la que estoy seguro será considerada en algunos años la película número uno, el “nuevo” Ciudadano Kane (There will be blood de Paul Thomas Anderson).

Pero principalmente, en todas estas cintas hay un punto en común: una emoción indescriptible para cuando la pantalla se funde a negros al final de cada una de ellas. La seguridad de haber visto algo que era imperdonable perderse. Hoy en día, existe demasiado cine circulando, bueno y malo, y es muy importante saber en qué se debe invertir el tiempo, para no terminar perdiéndolo. Esta lista, busca ser una luz en el camino para todos aquellos interesados en las grandes obras cinematográficas, las que regalan grandes secuencias, frases y soundtracks.

De cualquier forma, lo más importante radicará en todas esas cintas que aún no vemos, las que incluso todavía no se han filmado, las que no se han estrenado y también aquellas que apenas son una idea, pues estarán buscando en el futuro un lugar en nuestra memoria. Y ahí es justo donde está lo maravilloso del cine: en esa búsqueda constante de grandes películas para después distinguir cuáles serán las que se quedarán para siempre con nosotros.

Sin ningún orden estricto, aquí están mis 100 films elegidos…

There will be blood (2007) – Paul Thomas Anderson

Junto con No Country for old men de los Coen, esta pelicula es de lo mejor del 2007. Muchos le reprochan su extensa duración, sin embargo, eso no contraresta todas sus virtudes. Paul Thomas Anderson, deja de lado las historias corales y de historias entrecruzadas para entregarnos su trabajo más soberbio y elegante a la fecha. Si con Magnolia ya habia demostrado su enorme capacidad para llevar historias al límite, con There will be blood alcanza niveles pocas veces vistos en un director tan joven. El alumno más avanzado de Robert Altman y su destreza con la cámara, junto con la soberbia actuación de Day-Lewis, han regalado la que con el tiempo será la película más elegante y despiadada del 2007. Necesaria, muy necesaria. http://www.imdb.com/title/tt0469494/

Amores Perros (2000) – Alejandro González Iñárritu

La mejor secuencia inicial en un film mexicano en mucho tiempo; manejo de tiempos hasta ese momento inédito en el cine nacional; un guión honesto y contundente; una banda sonora inolvidable que de paso reactivó el soundtrack como producto de consumo en este país; esas son sólo algunas de las virtudes del film mexicano más importante de los últimos años. Iñárritu ofrece un viaje por una ciudad de Mexico húmeda, ensangrentada y visceral; incluso por momentos surrealista. Esta cinta marcó el inicio de la exitosa mancuerna Iñárritu-Arriaga, que sólo tres films después terminaría entre vergonzosos conflictos personales. Heredera del estilo narrativo de Tarantino (tiempos fragmentados), a su vez Amores Perros ya ha sido influencia en otros jóvenes realizadores, como Gerardo Naranjo y su aplaudida “Drama/Mex”. Cuando uno termina de ver Amores Perros, queda esa extraña sensación de haber visto una obra maestra. Inolvidable. http://www.imdb.com/title/tt0245712/

Saló (1975) – Pier Paolo Pasolini

Poesía cinematográfica. Espléndida, estilizada y bizarra crítica al autoritarismo desmedido. El mejor y más atinado que nunca estilo de Pasolini alcanza niveles de honestidad y belleza pocas veces vistos en una pantalla de cine. Sus imagenes perturbadoras dificilmente se olvidan. Definitivamente no es para todos los gustos. Una obra de arte. http://www.imdb.com/title/tt0073650/

The Devil’s Rejects (2005) – Rob Zombie

Sangre, mucha sangre; bizarros psicopatas y un soundtrack y diálogos alucinantes; una fotografía agresiva y un final tan memorable (casi poético) que se vuelve objeto de culto inmediato. Probablemente una de las mejores cintas de terror en los últimos diez años. http://www.imdb.com/title/tt0395584/

Funny Games (2007) – Michael Haneke

Actualizada, pero igual de perturbadora que la versión original. Haneke consigue nuevamente una atmósfera desoladora y agonizante desde los créditos iniciales. Lenta, despiadada, sin ninguna promesa de final felíz, nada peor que la violencia “per se”, sin una razón que la provoque. El cineasta incluso se atreve a burlarse de sus personajes y del espectador en la secuencia de la escopeta, en donde rebobinando, le quita a ambos la esperanza de un final alternativo. http://www.imdb.com/title/tt0808279/

Exotica (1994)– Atom Egoyan

Onibaba (1964) – Kaneto Shindo

Battle Royale (2001) – Kinji Fukasaku

Una de las películas más originales, sangrientas e irreverentes de los últimos años. Kitano en ese papel está insuperable y Fukasaku toma nuevos aires de forma soberbia. Tarantino mencionó alguna vez que era una de sus cintas favoritas y cómo no, con la cantidad de armas, sangre y esos sutíles guiños a otras peliculas, la hacen necesaria para todos aquellos que se jacten de ser fans del cine oriental. Existe una secuela que no alcanza las virtudes de este excelente film. http://www.imdb.com/title/tt0266308

Rashomon (1950) – Akira Kurosawa

Trainspotting (1996)– Danny Boyle

La primera vez que vi esta pelicula allá por 1996, me impactó visualmente. Los primeros diez minutos de esta cinta en verdad consiguen conectar hasta con el espectador más distraido. La ecuación música, guión y estética vuelven a dar resultados memorables. En poco tiempo se convirtió en lo que se ha llamado “nuevo culto”. En su estreno la llamaron la “naranja mecánica” de los noventa, pero en realidad las veo diametralmente diferentes, aunque igual de buenas. Escenas memorables por montones (secuencia del baño, secuencia del alucine del bebe, secuencia inicial…), drogas (la cinta nunca juzga), música y un grupo de jóvenes actores que comenzaban a despegar, consiguen una película que de principio a fin es alucinante….Imprescindible. http://www.imdb.com/title/tt0117951/

Breaking the waves (1996) – Lars Von Trier

Lars Von Trier podrá ser tachado de muchas cosas: pretencioso, misógino, enfermo y hasta loco, pero nadie queda indiferente a ninguna de sus películas. Es de los pocos directores que todavia guardan el glamour europeo de Godard, de Truffaut, etc. En esta cinta la cámara en mano, la historia devastadora, la casi poética fotografía y Emily Watson mirando por momentos directamente al espectador, haciéndolo cómplice de su dolor y decadencia, terminan por fusionarse en este potente y extraño drama que es probablemente uno de los tres mejores trabajos del danés. Obligada para todo aquel interesado en el Dogma 95. http://www.imdb.com/title/tt0115751/

Viridiana (1961)– Luis Buñuel

Silvia Pinal nunca volvió a lucir tan hermosa como en esta obra maestra de Buñuel. Surrealista como siempre, los ultimos 15 minutos de metraje son inolvidales, dentro de ese rústico y perfecto blanco y negro. http://www.imdb.com/title/tt0086979/

Blood Simple (1984) – Joel Coen & Ethan Coen

Con una estética impecable, la ópera prima de los Coen presenta muchos de los factores que serán una constante en toda su filmografía: misterio, giros inesperados, personajes hilarantes y mucho, mucho humor negro. Una auténtica cinta de culto. Sobresale por su elegancia y honestidad en cada encuadre. El inicio de una brillante filmografía. http://www.imdb.com/title/tt0086979/

After Hours (1985) – Martin Scorsese

Naked Lunch (1991) – David Cronenberg

Esta era una de esas obras conocidas como “imposibles” de adaptar a la pantalla grande. Mentira. Cronenberg logra con esta película una experiencia arriesgada, elegante y bizarra; contundentemente adaptada. Estremecedora y Alucinante. http://www.imdb.com/title/tt0102511/

Requiem por un sueño (2000) – Darren Aronofsky


Eraserhead (1997) – David Lynch

Clerks (1994) – Kevin Smith

Paris, Texas (1984) – Win Wenders

U-Turn (1997) – Oliver Stone

El Callejón de los Milagros (1995) – Jorge Fons

Drowning by Numbers (1988) – Peter Greenaway

Elsker dig for evigt (Open Hearts) (2002) – Susanne Bier

Wall-E (2008) – Andrew Stanton

Wall-e es ante todo una historia de amor. Los guiños hacia 2001 odisea del espacio, 1984 y Star wars son simplemente geniales. Si con Ratatouille Pixar habia alcanzado el punto máximo en calidad de guión y animación, con Wall-e solo demuestran su tremenda capacidad para superarse film tras film. Imprescindible. http://www.imdb.com/title/tt0910970/

Pulp Fiction (1994) – Quentin Tarantino

Sangre, alucinantes diálogos, inolvidable soundtrack, esteticamente perfecta, manejo de tiempos fragmentados, drogas, humor negro, inmensidad de referencias a la cultura pop… Ganadora de la Palma de oro en 1994, es la obra maestra de ese siempre genial Quentin Tarantino. Para verse una y otra ves… siempre se descubrirá algo nuevo. Imprescindible. ENGLISH, MOTHERFUCKER! DO YOU SPEAK IT? http://www.imdb.com/title/tt0110912/

Repulsion (1965) – Roman Polanski

Happiness (1998) – Todd Solondz

Lost in Translation (2003) – Sofia Coppola

Baise Moi (2000) – Coralie Trinh Thi

Ichi the Killer (2001) – Takashi Miike

Corre Lola Corre (1998) – Tom Tykwer

El Mariachi (1992) – Robert Rodriguez

Fear and Loathing in Las Vegas (1998) – Terry Gilliam

Hana-bi (1997) – Takeshi Kitano

Quieres ser John Malcovich? (1999) – Spike Jonze

Perros de paja (1971) – Sam Peckinpah

Rosetta (1999) – Jean-Pierre Dardenne & Luc Dardenne

Ciudad de Dios (2003) – Fernando Meirelles

Vidas Cruzadas (1993) – Robert Altman

Freaks (1932) – Tod Browning

Monthy Python The Meaning of Life (1983) – Terry Jones

The Rules of Attraction (2002) – Roger Avary


La secuencia inicial es simplemente impactante, fuerte, original y devastadora ( hay algo más triste que ver la espalda vomitada de la virginal protagonista?). Irreconocible Van Der Beek y Jessica Biel en papeles mucho más exigentes de lo que ambos están acostumbrados. La secuencia del viaje a Europa es en verdad estupenda. Desafortunadamente, el final torpe y pretencioso no convence del todo. Hay veces que los personajes no merecen redención, pues no sabrían qué hacer con ella. http://www.imdb.com/title/tt0292644/

Scarface (1983) – Brian de Palma


Deep Red (1975) – Dario Argento


Kids (1995) – Larry Clark


Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos (2004) – Michael Gondry


2046 (2004) – Won Kar Wai

El Topo (1970) – Alejandro Jodorowsky


Deconstructing Harry (1997) – Woody Allen


Naranja Mecánica (1971) – Stanley Kubrick


Breathless (1960) – Jean Luc Godard


Vida Acuática (2004) – Wes Anderson


Amelié ( 2001) – Jean Pierre Jeunet


Oldboy (2003)– Park Chan Wook


Sideways (2004) – Alexander Payne


Psicosis (1960) – Alfred Hitchcock


Blow-up (1966) – Michelangelo Antonioni

Thriller A Cruel Picture (1974) – Alex Fridolinski


Easy Rider (1969) – Dennis Hopper


Snatch (2000) – Guy Ritchie


Dead Man (1995) – Jim Jarmusch


Holocausto Canibal (1980) – Ruggero Deodato


Three Colors: Blue (1993) – Krzysztof Kieslowski


The Professional (1994) – Luc Besson


Roma (1972) – Federico Fellini


El Padrino II (1974) – Francis Ford Coppola


El Castillo de la pureza (1972) – Arturo Ripstein


Sexo, mentiras y video (1989) – Steven Soderbergh


Canoa (1975) – Felipe Cazals


Bad Taste (1987) – Peter Jackson


American Beauty (2000) – Sam Mendes


Pink Flamingos (1972) – John Waters


Sospechosos Comunes (1995) – Bryan Singer


Y tu mamá también (2001) – Alfonso Cuarón


Closer (2004) – Mike Nichols


Behind the green door (1972) – Art y Jim Mitchell


El séptimo sello (1957) – Ingmar Bergman


The city of lost children (1995) – Jean Pierre Jeunet & Marc Caro


Dawn of the dead (1978) – George A. Romero


Viaje Ácido (1998) – Paul McGuigan


Por amor o por deseo (2004) – Kim Ki-Duk


The Evil Dead (1981) – Sam Raimi


Truman Show (1998) – Peter Weir


Tesis (1996) – Alejandro Amenábar

El primer trabajo del español Amenábar es una verdadera joya del suspenso. Firmemente dirigida, la cinta es heredera del estilo Hitchcock y de De Palma; música, guión y dirección se unifican para contar una historia interesante y aterradora. Además, es una de las causantes de haber conseguido que el mundo cinematográfico volteara los ojos hacia el cine español en la década pasada y darse cuenta de que no todo era Almodóvar y Luna; que nuevos directores comenzaban a alzar la mano: esta cinta es la mejor propuesta de aquella época, de lo mejor del cine español. http://www.imdb.com/title/tt0117883/

El viaje de Chihiro (2001)– Hayao Miyazaki


Heroe (2002) – Zhang Yimou


Batalla en el cielo (2005) – Carlos Reygadas


El club de la pelea (1999)– David Fincher


The 400 Blows (1959) – Francois Truffaut


Elephant (2003) – Gus Van Sant


Hable con ella (2002) – Pedro Almodóvar


Donnie Darko (2001) – Richard Kelly


Me and You and Everyone We Know (2005) – Miranda July


Last Life in the Universe (2003) – Pen-Ek Ratanaruang


Stalker (1979) – Andrei Tarkovsky

Grave of the Fireflies (1988) – Isao Takahata

Enter the void (2009) – Gaspar Noé

Truly Human (2001) – Åke Sandgren

Tiempos Modernos (1936) – Charles Chaplin

El carnicero (1969) – Claude Chabrol

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La fusión de un millonario, el arte, la cultura y el público mexicano: El Museo Soumaya

Por Armando Navarro Rodríguez.

Lo que ha hecho Carlos Slim con el Museo Soumaya es impresionante: Ofrecer al público de forma gratuita y permanente las 16 colecciones que incluyen más de 64 mil piezas propiedad de la Fundación Carlos Slim, en un imponente edificio representante de la más moderna arquitectura.

Nombrado así en honor de la esposa del magnate, Soumaya Domit, quien falleció en 1999, el museo permite estar muy de cerca de bellas y delicadas obras que van del renacimiento, al barroco, pasando por el impresionismo, arte novohispano, paisajes y muralismo mexicano.

Así, los nombres y las imágenes se empiezan a mezclar en la mente del visitante, quien no acaba de entrar al museo y ya es recibido en el vestíbulo por “El Pensador” de Auguste Rodin, artista francés, de quien precisamente en el Soumaya se encuentra la colección más grande de sus obras fuera de Francia.

El pretexto para la semejante inversión de 800 millones de dólares es simple. Carlos Slim ha dicho que la inspiración llegó de su esposa; su memoria lo animó a comprar obras de arte de todo el mundo, de todo tipo de artistas, para que fueran exhibidas a todo el público mexicano. La gente de bajos recursos, incapaz de viajar al extranjero para visitar los mejores museos del mundo, ahora tiene la oportunidad de admirar el arte de estos importantes artistas en su propio país.

Slim lo sabe perfectamente. Por eso su fundación también hace unos años ayudó a la restauración del Centro Histórico. La cultura es sumamente importante, es la identidad del país, sin eso, no tenemos nada. Y él invierte sin decoro en el arte y la cultura. Esos lugares que la política y la religión parecen haber olvidado.

Estar parado frente a obras de Tintoretto, de Rubens o de Doménikos Theotokópoulos, El Greco, es una delicia indescriptible. Pero hay más. En sus seis diferentes salas, en un recorrido que se disfruta mejor del último piso hacia abajo, el visitante encontrará a viejos conocidos como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Tamayo y Juan Soriano, en cuadros que van de los gruesos y violentos trazos del muralismo, a la tranquilidad de los retratos y los paisajes.

Ahí están también el surrealismo de Salvador Dalí y Joan Miró, los paisajes de Claude Monet, mientras se van encontrando por ahí los estilos inconfundibles de Van Gogh, Rendir y Toulouse-Lautrec. Finalmente, el arte novohispano, en donde se puede admirar el barroco en todo su esplendor. Y la lista sigue y sigue. Es necesario estar ahí para experimentar la experiencia multisensorial que el Museo Soumaya impone. Sobran las palabras.

Ubicado en Plaza Carso que está ubicada en Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra. Col. Ampliación Granada, México, DF, CP 11320, justo atrás de Antara Polanco, el museo abre de Jueves a Sábado de 10:00 a 22:00 y de Domingo a Miércoles de 10:00 a 19:00.

La entrada es gratis. No hay pretexto para no admirar semejante banquete cultural. Este lugar es una excusa más para saborear esa indescriptible Ciudad de México.

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El arte como arma social: “Exposición Crisisss América Latina, Arte y Confrontación. 1910-2010”

Por Armando Navarro.

Realizadas entre 1910 y 2010, las casi 190 piezas que se presentan en la exposición “Crisisss. América Latina Arte y Confrontación” son el resultado del trabajo de más de cien artistas provenientes de esa multicultural parte del planeta; se trata de un evento cultural inédito, que reune desde la proyección de momentos clave en la historia del cine Latinoamericano, pasando por esculturas, fotografías y performances.

Presentada en dos partes, una en el Palacio de Bellas Artes y otra en el Museo Ex Teresa Arte Actual, la muestra incluye la presencia de 16 países entre los que destacan Cuba, Colombia, Brasil, Venezuela y México, con nombres como Roberto Montenegro, José Galindo, José Clemente Orozco, Débora Arango, Joaquín Torres García y Doris Salcedo entre muchos otros, todo bajo la supervisión del curador Gerardo Mosquera.

Es una exposición que busca enaltecer y hacer homenaje al espíritu rebelde, alegre y colorido de América Latina, en donde, en el caso de Bellas Artes, se busca que el histórico edificio sea incorporado a la muestra, creando un ambiente interactivo en el que es agradable tocar, sentir y observar detalladamente las esculturas, los peculiares cuadros de materiales insospechados, las fotos y sobretodo, los performances.

El trabajo del curador Mosquera se nota contundente. Nada está acomodado a la ligera, todas y cada una de las posiciones de las obras tienen un motivo. Justo en la entrada de la Sala principal el mapa invertido “Nuestro norte es el sur” da la bienvenida al visitante, quien inmediatamente baja la vista al texto “Fosa Común” de Luis Camnitzer, encontrándose de forma metafórica con el destino de violencia, sangre y tragedia de muchos pueblos latinoamericanos.

Obras con una fuerte carga política y de crítica hacía los gobiernos que han fallado y que siguen fallando; milicia, capitalismo y revolución entre los temas expuestos; cuadros e  instalaciones de performances con materiales poco ortodoxos, creando una atmósfera sui géneris en la principal casa de cultura del país, en la que incluso la experiencia pudo haber sido más envolvente con letras y luces de neón en la fachada y algunas otras ideas que o bien fueron canceladas o presentadas en el Ex Teresa.

Incluso hay crítica a estereotipos del arte mexicano con los chilenos Francisco Casas y Pedro Lemebel y su reinterpretación de “Las dos Fridas” de la mexicana Frida Kahlo. En la muestra no hay una sola obra de ella, pero los latinoamericanos aparecen travestidos parodiando la popular pintura, en un obvio chiste negro por parte del curador hacía el consumo desmedido en
América Latina que representa Frida.

En su conjunto “Crisisss. América Latina Arte y Confrontación” es una exposición imprescindible e interesante, que incluyó también un ciclo de cine supervisado por el cineasta Jesse Lerner, con cortos y largometrajes intensos y sin concesiones, en los que se siente el sudor, la sangre y los olores de Latinoamérica.

“El arte un arma de lucha” como bien lo explica una de las muchas obras que componen esta completa muestra que permanecerá en Bellas Artes hasta el 5 de junio.

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Hilarante e inteligente: “Cock” de Mike Bartlett con Diego Luna y José María Yazpik.

Por Armando Navarro.

Diego Luna siempre escoge bien los proyectos en los que se involucra. Su pasión por el teatro es innegable como bien se ha visto desde hace varios años en “Las Obras Completas de William Shakespeare Abreviadas”, “Festen” y “El Buen Canario”.

En esta ocasión, Luna se lanza a producir junto con Tina Galindo, Claudio Carillo y OCESA, “Cock” del escritor inglés Mike Bartlett, una divertida y arriesgada propuesta con temática gay que tiene sus mayores virtudes en la actuación de José María Yazpik, en el manejo de una comedia con diálogos inteligentes, ácidos y en una escenografía que literalmente está entre el público.  

Mediante una nueva compañía de producción teatral llamada MUECA PRESENTA, que se espera presente mucho teatro de esta calidad, Luna y Yazpik interpretan a una pareja gay hundida en la monotonía; un buen día, uno de ellos se enamora de una mujer (Ilse Salas) provocando un huracán de emociones, conflictos, angustia y curiosidad, todo en medio de un estilo de comedia que trae frescura al teatro hecho en México.

La historia tendrá su clímax en una caótica y dramática, pero también hilarante, cena que involucra al peculiar triángulo amoroso y al padre del personaje de Yazpik, interpretado por el actor Javier Díaz Dueñas. Hacía el final, los cambios serán infrenables.

La dirección de Antonio Serrano, viejo conocido gracias a “Sexo, Pudor y Lágrimas” en cine y teatro, es de una sutil maestría, conteniendo a los actores en una armonía de divertidos diálogos en parte gracias a la química de los tres actores principales. Yazpik verdaderamente se “come” a sus compañeros interpretando a un hombre consiente de sus miedos, sabiéndose próximo a perder a su pareja, pero al mismo tiempo, seguro de sí mismo.

La escenografía de Jorge Ballina es cosa aparte. El también escenógrafo de las obras “Juegos Siniestros” y “Todo sobre mi madre” que hace poco también se presentaron en el Teatro de Los Insurgentes, es novedosa, atractiva y de un estilo minimalista que se acompaña de una cercanía insólita con el público, rompiendo así la barrera de “escenario-público” que regularmente sucede en teatro. La iluminación acompaña adecuadamente el ritmo de los personajes, junto con los efectos auditivos y los interludios musicales.

Leticia Palacios se encarga del vestuario, la misma que en cine mexicano ha vestido a los personajes en películas de Sariñana, Ripstein, entro muchos otros. Aquí, su trabajo es modesto pero intenso, dándole a cada personaje presencia justa con los sutiles atuendos que portan los actores a los largo de los pocos más de 100 minutos que dura la obra.

Es la primera vez que se presenta una obra de Mike Bartlett en teatros mexicanos y ante todo, estamos ante una comedia diferente, llena de momentos divertidos, con una temática polémica pero sólo para quienes quieran verla así, pues en realidad, “Cock” es una historia entrañable y naturalmente humana, de una pareja en medio de un sin fin de disyuntivas y miedos, aderezado con actuaciones de primer nivel y un final ambivalente entre lo agridulce y lo sarcástico.

http://www.cockmexico.com/index.html

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5 exposiciones temporales en el Antiguo Palacio del Arzobispado…

Por Armando Navarro.

Ubicado en la calle de Moneda, en el Centro Histórico, el Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda es un bellísimo edificio del siglo XVII que en estos días está albergando 5 exposiciones eclécticas, raramente juntas e imprescindibles de admirar.

Barroco de Benjamín Domínguez.

Una auténtica maravilla. Todas las inquietudes del maestro Domínguez expuestas en una serie de pinturas que van del dolor a lo bizarro, pasando por la constante búsqueda de lo divino, los espejos y las mascotas, con trazos que por momentos recuerdan a la poesía de Benedetti.

Son 50 obras de este reconocido pintor mexicano obsesionado con las atmósferas oníricas, los personajes tatuados con sentimientos mágicos y desconcertantes.

  

Ecos de Jorge Marín

Conjunto de 16 piezas en cerámica que hacen homenaje a la tradición prehispánica del arte en este material.

Jorge Marín es el mismo autor de la exposición de ángeles que está sobre Paseo de la Reforma.

Líneas Continuas. Colectiva

 José Luis Cuevas, José Fors, Roger von Gunten, Daniel Lezama entre otros, presentan esta colección de dibujos de una frescura artística pocas veces vista, en donde los trazos van de la perfecta línea recta a formas caprichosas y ambiguas; estos dibujos representan la forma más inmediata de arte del artista.

Cruce de Caminos, Europa en México. Colectiva

Obras de artistas europeos en México, en donde explotan su gusto y curiosidad por nuestro país y su inigualable variedad cultural, muchos de ellos decidiendo quedarse a radicar en México y a partir de ahí crear arte.

Varias de estas exquisitas obras existen gracias al excelente proyecto “pago en especie”, que no es otra cosa más que el pago de los impuestos de los artistas, mediante sus obras, permitiendo así que el público mexicano esté cerca del puente cultural entre Europa y México, gracias a estas piezas, que incluyen fotos, esculturas e incluso, dibujos sobre foamy.

Están concentradas piezas de estupendos artistas europeos como Anette Kuhn, Leonora Carrington, Mathias Goeritz , Pedro Friedeberg, Antonio Rodríguez Luna, Vicente Rojo, Luca Bray y Gerda Gruber ente otros más.

Nadie queda indiferente ante obras de tal belleza y contundencia.

En movimiento. Flor Minor

Interesante exposición táctil. Dirigida al público con discapacidad, que puede tocar y sentir las 11 esculturas en bronce de Minotauros y figuras humanas abstractas de la artista Flor Minor. Bellísimas por sus detalles.

Dirección: Moneda 4, Centro Histórico. C.P. 06020. Delegación Cuauhtémoc

Horario del Museo: martes a domingo, 10:00 a 17:00 hrs.

Entrada libre

Teléfonos:  3688 1657 y 3688 1602

visitas_guiadas@hacienda.gob.mx

http://www.shcp.gob.mx/difusion_cultural/museo_arte/exposiciones/Paginas/temporales.aspx

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El Evangelio según San Gibson…

Por Armando Navarro.

La polémica generada hace unos años por la tercera película de Mel Gibson como director, “La Pasión de Cristo”, no tuvo ni tiene que ver con lo que se cuenta en la cinta, pues es una historia bien conocida por todo el mundo, la verdadera problemática radica en la forma en la que está plasmada en la pantalla.

Se trata pues de las últimas doce horas de vida de Jesucristo, desde que es aprehendido hasta su muerte en la cruz, todo narrado con una impresionante estética que se mezclas así misma entre la sangre y el dolor; una perspectiva gore que muestra sin ningún límite el sufrimiento y los jirones de carne arrancados del cuerpo de Cristo.

Mel Gibson, el mismo protagonista de películas tan eclécticas como la saga “Arma Mortal” (1987, 1989, 1992, 1998), “Mad Max” (1979), “El Patriota” (2000) o la ganadora del Oscar que también dirigió “Corazón Valiente” (1995), ha afirmado que su principal intención al filmar “La Pasión de Cristo” era ofrecer un retrato real de lo que fue aquello, una versión opuesta a las imágenes celestiales de libros y gráficos que siempre se han mostrado, en donde Cristo aparece sufriendo, pero con sólo una o dos gotas de sangre cruzando su frente.

Hablada totalmente en Arameo y Latín, como obra cinematográfica la cinta es impecable; bellamente fotografiada y ambientada; con soberbias actuaciones prácticamente silentes, lo que provoca que los ojos de cada uno de los actores, particularmente los personajes de la Virgen María y Jesús, sean los que verdaderamente hablen.

Con secuencias que le quitan el aliento a cualquiera, Gibson lleva de la mano al espectador al centro mismo del sufrimiento de Jesucristo, primero mostrando la brutalidad de la aprehensión y el juicio, para después ir a la impactante e interminable secuencia en donde Cristo es castigado mediante una infinidad de azotes y en donde el público, gracias a la cercanía de la cámara del director, sufre junto con el protagonista, pidiendo que el castigo termine y con ello la sangrienta escena también.

En el vía crucis, que ocupa buena parte del film, el espectador ha entrado en un camino sin retorno, largo y áspero, lleno de azotes y dolor, pero también de recuerdos; qué maravillosa metáfora es esa en donde María corre para que su hijo sepa que está ahí, a un lado de él, mientras paralelamente, vemos una secuencia en donde la Virgen auxilia al pequeño Jesús al caer, muchos años antes, siendo todavía un niño.

Finalmente llega la crucifixión, con un Cristo bañado en sangre, con trozos de piel colgando de su cuerpo como nunca antes se había visto, con una corona de espinas encarnada en la frente y unos ojos de dolor que no dejan indiferente a nadie.

La inminente muerte se anuncia con el último aliento de Jesucristo y es justo ahí, cuando se presenta el verdadero clímax de la película, mismo que se extiende hasta la escena final, acompañada por una estridente y acertada banda sonora.

 “La Pasión de Cristo” es mucho más que la polémica generada a su alrededor entre qué tan antisemita es o no; es mucho más que un despiadado borbotón de sangre saltando de la pantalla.

Estamos ante una obra de arte, dueña de un impresionante lenguaje cinematográfico y de una inigualable cercanía con el protagonista, factores de los que carecen cintas como “El Mártir del Calvario” (1952), “El Manto Sagrado” (1953), “La historia más grande jamás contada” (1965) o la excelente pero muy diferente en cuanto a temática “La última tentación de Cristo” (1988) de Martin Scorsese.

La mayoría de las películas que usan sangre de forma abundante, son comedias de humor negro y cintas cuyas pretensiones no van más allá. La cinta de Gibson es demasiado real y profundamente seria, por ello es que resulta difícil digerirla.

El crítico de cine Stefan Halley comentó lo siguiente: “Después de la paliza que le pegaron, no es de sorprender que Jesús no haya regresado en más de dos mil años…”.

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