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Hilarante e inteligente: “Cock” de Mike Bartlett con Diego Luna y José María Yazpik.

Por Armando Navarro.

Diego Luna siempre escoge bien los proyectos en los que se involucra. Su pasión por el teatro es innegable como bien se ha visto desde hace varios años en “Las Obras Completas de William Shakespeare Abreviadas”, “Festen” y “El Buen Canario”.

En esta ocasión, Luna se lanza a producir junto con Tina Galindo, Claudio Carillo y OCESA, “Cock” del escritor inglés Mike Bartlett, una divertida y arriesgada propuesta con temática gay que tiene sus mayores virtudes en la actuación de José María Yazpik, en el manejo de una comedia con diálogos inteligentes, ácidos y en una escenografía que literalmente está entre el público.  

Mediante una nueva compañía de producción teatral llamada MUECA PRESENTA, que se espera presente mucho teatro de esta calidad, Luna y Yazpik interpretan a una pareja gay hundida en la monotonía; un buen día, uno de ellos se enamora de una mujer (Ilse Salas) provocando un huracán de emociones, conflictos, angustia y curiosidad, todo en medio de un estilo de comedia que trae frescura al teatro hecho en México.

La historia tendrá su clímax en una caótica y dramática, pero también hilarante, cena que involucra al peculiar triángulo amoroso y al padre del personaje de Yazpik, interpretado por el actor Javier Díaz Dueñas. Hacía el final, los cambios serán infrenables.

La dirección de Antonio Serrano, viejo conocido gracias a “Sexo, Pudor y Lágrimas” en cine y teatro, es de una sutil maestría, conteniendo a los actores en una armonía de divertidos diálogos en parte gracias a la química de los tres actores principales. Yazpik verdaderamente se “come” a sus compañeros interpretando a un hombre consiente de sus miedos, sabiéndose próximo a perder a su pareja, pero al mismo tiempo, seguro de sí mismo.

La escenografía de Jorge Ballina es cosa aparte. El también escenógrafo de las obras “Juegos Siniestros” y “Todo sobre mi madre” que hace poco también se presentaron en el Teatro de Los Insurgentes, es novedosa, atractiva y de un estilo minimalista que se acompaña de una cercanía insólita con el público, rompiendo así la barrera de “escenario-público” que regularmente sucede en teatro. La iluminación acompaña adecuadamente el ritmo de los personajes, junto con los efectos auditivos y los interludios musicales.

Leticia Palacios se encarga del vestuario, la misma que en cine mexicano ha vestido a los personajes en películas de Sariñana, Ripstein, entro muchos otros. Aquí, su trabajo es modesto pero intenso, dándole a cada personaje presencia justa con los sutiles atuendos que portan los actores a los largo de los pocos más de 100 minutos que dura la obra.

Es la primera vez que se presenta una obra de Mike Bartlett en teatros mexicanos y ante todo, estamos ante una comedia diferente, llena de momentos divertidos, con una temática polémica pero sólo para quienes quieran verla así, pues en realidad, “Cock” es una historia entrañable y naturalmente humana, de una pareja en medio de un sin fin de disyuntivas y miedos, aderezado con actuaciones de primer nivel y un final ambivalente entre lo agridulce y lo sarcástico.

http://www.cockmexico.com/index.html

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El miedo y la soledad en “El Jardín de los Cerezos”

Por Armando Navarro.

Cuatro actos, cuatro estaciones y la atmósfera decadente y egoísta de una familia aristócrata rusa de finales del siglo XIX, es lo que presenta Luis de Tavira en la puesta en escena “El Jardín de los Cerezos”, la última obra que escribió el dramaturgo ruso Antón Chéjov y que forma parte de sus trabajos principales junto con “La Gaviota”, “Tío Vania” y “Las Tres Hermanas”.

La premisa es simple: una familia adinerada con graves problemas económicos está a punto de perder un bello jardín de su propiedad. Incapaces de tomar decisiones y más preocupados por sus intereses personales que en los de conjunto, las inesperadas transformaciones sociales pronto les pasarán factura.

Con una duración de casi 4 horas, se trata pues de un viaje de no retorno, en el que Chéjov imprime sus preocupaciones y miedos; el jardín, funciona como metáfora del futuro incierto de los personajes, la llegada de la industrialización y con ello el comienzo de la destrucción del hombre, por el hombre mismo.

Luis de Tavira, también director de la Compañía Nacional de Teatro, expone en su conjunto un trabajo impecable en la dirección de actores, con rostros tan familiares como Julieta Egurrola en el papel de Liuba, la dueña de la finca; Luis Rábago como Leonid; Roberto Soto interpretando al complejo Lopajin y mención aparte merece el desempeño de Farnesio de Bernal como Firs, el mayordomo, quien carga con el personaje más entrañable de la obra.

La sobriedad y detalle de la escenografía de Philippe Amand, se percibe en todo el campo escénico de “El Jardín de los Cerezos”, en donde incluso los vidrios sucios dan muestra de la abandonada y descuidada finca, que termina convirtiéndose en un personaje más, junto con el jardín, que va de lo frondoso y colorido a la devastación y con ello el caos.

La iluminación, del mismo Amand, es sumamente interesante, pues es ésta la que marca el ritmo y ayuda al dramatismo exacto, principalmente al inicio y fin de cada uno de los cuatro actos de esta obra escrita en 1904 y en donde la comedia coquetea peligrosamente con el más descarnado drama.

En el tercer acto, el de la fiesta, el juego de tres planos de interior y exterior consigue una sincronía impecable y rica en actuación, finalizando con el contraste entre la tristeza de madre e hija al saber que han perdido el jardín y el escándalo de la celebración que continúa, notándose aquí el discreto trabajo de Gabriel Diazmercado como diseñar sonoro.

Es con esta puesta en escena que la Compañía Nacional de Teatro celebra el 150 aniversario del nacimiento del también médico y escritor Antón Chéjov, naturalista y maestro del relato corto, que en “El Jardín de los Cerezos” centra sus intereses en escribir una obra que muestre lo complicada e inestable que es la vida y de todos los obstáculos que ante todo están en uno mismo.

Un devastador aire a miedo y soledad es lo que queda cuando cae el telón de esta obra que se presenta hasta el 6 de Marzo en el Centro Nacional de las Artes.

http://www.cenart.gob.mx/html/cartele/teatro.html

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El esperpéntico viaje de Valle-Inclán: El Trueno Dorado

Por Armando Navarro. 

De la sátira al drama, de la opulencia a la más deprimente miseria, la dualidad caricaturizada de la vida misma en la España de finales del Siglo XIX, es lo que presenta la obra teatral “El Trueno Dorado”, basada en una novela inconclusa de Ramón del Valle-Inclán, uno de los autores más importantes de la literatura española del Siglo XX y creador del esperpento, ese estilo de aplastar grotescamente la realidad para a partir de ahí crear una crítica, en este caso, a la Monarquía Castellana y a la Iglesia Católica.

Adaptada y dirigida por Juan Antonio Hormigón, reconocido escritor y director español, el mismo que presentó también en México “Los Veraneantes”, “Jornadas Calderonianas” y “La Mojigata” en 1979, 1981 y 1983, respectivamente, “El Trueno Dorado” se divide en dos actos con una duración de 3 horas 40 minutos, teniendo 80 diferentes personajes representados por 36 actores en escena de la Compañía Nacional de Teatro, entre los que destacan, Angelina Peláez, Enrique Arreola, Mercedes Pascual y Luisa Huertas.

Con una escenografía impecable que lo mismo va del barroco al minimalismo en algunos segmentos, la trama se centra en los días finales del reinado de Isabel II en Septiembre de 1868, días antes de la revolución que pretendía derrocar a la Reina, en donde los rumores acerca de su cuestionable comportamiento crecían en la misma medida que en la Monarca se intensificaba la arrogancia y la ambición, además de una fuerte influencia de la Monarquía Francesa, a la cual parece querer emular completamente.

Dentro de esta compleja trama, después conoceremos las andanzas nocturnas de un par de aristócratas y sus amigos, los cuales terminarán envueltos en un asesinato, marcando el camino hacía un desenlace en donde la excelente música sube hasta lo máximo, para acompañar un interesante baile que lo mismo es cínico que macabro, debido a la variedad de mundos reunidos en el escenario. No se puede pasar por alto el contundente trabajo de iluminación, que da el ritmo justo a las interpretaciones de los actores.

Con diferentes cambios de escenario y vestuario, el cual por cierto destaca al parecer en algunos momentos un “museo viviente”, gracias a su elegancia y realismo, en “El Trueno Dorado”, no se puede dejar de sentir un aire algo “cinematográfico” en este esperpéntico estilo de Valle-Inclán, debido en gran parte al manejo de historias separadas que finalmente se interconectan y a los ya mencionados constantes cambios de escenografía, que van desde un estilizado salón, hasta un sórdido y polvoso barrio.

Además, innegablemente se hace notar el  respeto del director Hormigón a los diálogos originales de Ramón del Valle-Inclán, en los cuales se despliega un rígido y hermoso castellano.  

Temas tan actuales como la impunidad, el nepotismo, la cuestionable vigencia de la Monarquía, la inestable y desigual lucha de clases sociales, están presentes en esta intensa puesta en escena que deforma la realidad de manera extravagante para de ahí cuestionar lo que inquieta y molesta a la sociedad.

“El Trueno Dorado” se presenta en el Centro Cultural del Bosque, Teatro Julio Castillo, del 15 al 24 de Febrero los Martes, Miércoles y Jueves a las 7:00 PM.

http://www.ccb.bellasartes.gob.mx/index.php

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